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Primitieve kunst
Malagan-Masken ab Papua Neu-Guinea, ein Beispiel für 'primitive' Artefakte

Primitive Kunst ist ein veralteter Name für Kunstobjekte und Artefakte hergestellt von Mitgliedern einer (oft recht kleinen) indigene Volksgruppe, die keine oder nur eine geringe Alphabetisierungsgrad kennt und ist Teil einer Kultur, die in der westlichen Welt Anthropologie manchmal mit dem umstrittenen Begriff primitive Kultur bezeichnet ist.[1] Museen unterteilen ihre Sammlung normalerweise in Kunst Afrika, das Amerika und Ozeanien. Der Begriff „primitive Kunst“ entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als verschiedene ethnografisch Museen verwendeten den Begriff, um die Grundlagen der überlegenen westlichen Zivilisation gegenüber den ungebildeten Wilden zu definieren.[2] Kolonialistische Ausstellungen mit dem Ziel Kolonialismus zu verherrlichen. Zum Beispiel eine Ausstellung im Jahr 1897 in Tervuren (Belgien) den sogenannten Frieden, Wohlstand und Zivilisation, die es Christian glaube an die Kongo hat gebracht.[3] Primitive Kunst war zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine wichtige Inspirationsquelle für verschiedene Kunstrichtungen. (sehen Primitivismus)

Definition

Was macht ein Kunstobjekt primitiv und was für ein Kunstwerk Western macht ist schwer zu bestimmen. Für die Postmodernismus Jedes Artefakt, das nicht im Westen hergestellt wurde, wurde als primitiv bezeichnet.[4] Kunstwerke sind seit der Postmoderne nicht mehr allein formalistisch (äußere) Merkmale, sondern auch auf ihren kulturellen Kontext.

Heute werden Kunstwerke, die in traditionellen Kulturen mit einer lebendigen Tradition hergestellt wurden, als primitive Kunst bezeichnet. Ausgegrabene Artefakte aus ausgestorbenen Kulturen (zum Beispiel die Mayas und Azteken) werden oft als Teil der nicht-westlichen Kunstgeschichte angesehen.[5] Dies liegt daran, dass sie nicht im Westen hergestellt wurden und in keiner lebendigen Tradition weiterleben. Diese indigenen Kunstformen sind zum Beispiel präkolumbianisch Kunst genannt. Indigene Künstler, die in einer westlichen Tradition arbeiten, werden oft als westlich bezeichnet Kunstgeschichte gezählt und nicht zur primitiven Kunst. So machen Künstler aus dem Amazonasgebiet seit dem 16. Jahrhundert Klassiker Statuen wird dies nicht als primitive Kunst bezeichnet, da sie nicht in der Volkstradition stehen. Im Kunsthandel werden Kunstgegenstände aus der Zeit vor 1960 (Papua Neu-Guinea), vor 1930 (Afrika) und vor 1800 (Südamerika) gehörte zur primitiven Kunst.[6]

Alte Formen der primitiven Kunst als art Punktmalerei leben immer noch weiter und werden deshalb mit dem Begriff primitive Kunst bezeichnet. Diese Kunstformen unterscheiden sich jedoch deutlich von noch älteren (ausgestorbenen) Kunstformen, insbesondere den paläolithische Kunst und der neolithische Kunst.

Statt primitiver Kunst heutzutage oft Stammeskunst sagte. Im angelsächsischen Sprachraum ist der Begriff primitive Kunst immer noch recht verbreitet, während es im Französischen heutzutage bevorzugt wird Kunstpremiere (Anstatt von Kunst primitiv) spricht. Beide Begriffe sind umstritten und eine eindeutige Definition ist daher schwierig.[6] Tatsächlich geht es um Volkskunst aus einer bestimmten Region. Deshalb spricht man lieber über traditionelle Volkskunst.

Funktion

Sandzeichnung des Navajo, fotografiert Anfang des 20. Jahrhunderts.

Die meisten Artefakte aus diesen Kulturen hatten eine Ritual Funktion oder diente als Utensilien.[7] In der westlichen Kunstkultur ist es sehr üblich, Artefakte aufgrund ihrer Schönheit zu kaufen. In den meisten traditionellen Volkskulturen Von schön und hässlich wird wenig gesprochen. Kunstgegenstände waren für den täglichen Gebrauch und wurden richtig oder falsch dekoriert, oder besser gesagt; angemessene. Schönheit ist für die Navajo-Inder nicht etwas, das in den Dingen liegt, sondern in Beziehungen zu den Dingen. Sandzeichnungen der Navajo für ihre Schönheit bewundert, sind sie jedoch als heilende Beschwörungen gedacht, die ihre Schönheit im Prozess der Beschwörungen an die Navajo ableiten. Das Endergebnis hat keinen signifikanten Wert.[8] Ähnlich sind die malagan-Bilder von Neu-Irland. Diese werden in einem Begräbnisritual verwendet und dann ohne Zeremonie verbrannt.[9]

Bedeutung

Keine dieser "primitiven Kulturen" hat ein Wort für Kunst wie unsere,[10] Deshalb sind wir stärker auf die Bedeutung eines Kunstwerks angewiesen Anthropologen als auf westliche Kunsthistoriker. Bemerkenswert ist die Authentizität diese westlichen Künstler (Picasso, Braque) zu diesen Bildern: Die meisten dieser Künstler übten lediglich ihr Handwerk aus und waren an strenge Regeln für die Darstellung von Elementen ihrer Kultur gebunden. Jedes Objekt wurde in einer langen Tradition dekoriert, in der die verschiedenen visuellen Elemente jeweils ihre eigene Bedeutung hatten. Traditionelle afrikanische Künstler arbeiteten daher immer im Auftrag und nie autonom wie in Europa von der Renaissance war üblich.[11]

Im Gegensatz zur westlichen Kunstgeschichte, in der Kunstwerke oft eine Darstellung der Realität sind, sind primitive Bilder oft eine Darstellung des mystischen Inneren der Kultur, aus der sie hervorgehen. Sie neigen bewusst zum Geheimnisvollen und esoterisch. Dies macht es oft sehr schwierig, die genaue Bedeutung zu finden, da viele Gemeinschaften durch westliche Einflüsse völlig zerstört wurden.[12] Die westliche Kunstwahrnehmung eines primitiven Artefakts unterscheidet sich oft völlig von der des eigentlichen Stammes selbst. Neben der rituellen Nutzung eines Kunstgegenstandes spielt auch der Status des Schöpfers eine wichtige Rolle. Bei der Asmat Masken von Holzarbeitern, die auch erfolgreiche Headhunter sind, gelten als höher als die Maske eines Holzarbeiters, der einen niedrigeren sozialen Status hat.[13]

Kunstkonzept im Wandel

Seit der Beleuchtung Ist es in der westlichen Kunstkultur üblich, a . zu verwenden? Rationalisierung schau dir die Kunst an. Kunst ist ein eigenes Feld, das von Gesellschaft, Macher und Logik getrennt ist. Primitive Artefakte sind normalerweise Teil eines größeren Rituals, das sich auf die religiöse Erfahrung des Maskenträgers oder Zuschauers konzentriert. Primitive Kunst ist nichts für die eigentliche Bevölkerung autonom Gelände, sondern eine direkte Verbindung zu den wichtigsten Teilen ihrer Kultur.[8] Seit der Aufklärung werden afrikanische Artefakte als Projektion dessen dargestellt, was der Westen unter afrikanischer Kunst versteht. Man spricht zum Beispiel von einer primitiven Urgewalt und wilder Erotik. Ein gutes Beispiel dafür ist die Ausstellung der khoikhoi frauSaarjie Baartman als Attraktion. Die Exotisierung der primitiven Kunst und des nicht-westlichen Künstlers hat die westliche Kunstauffassung lange beeinflusst.[14] Ähnlich ist itbaar Orientalismus, eine Kunstrichtung, in der der Osten als geheimnisvoll, sinnlich und ungebildet dargestellt wird.

Ein weiteres Problem ist, dass viele Kunstgegenstände für die eigentliche Bevölkerung nur Utensilien sind, zum Beispiel mit Krokodile verzierte Hämmer der Sepik. In der Vergangenheit waren sich westliche Kunsthändler beispielsweise einig, dass Hartholzwerkzeuge als Kunstobjekte galten und Weichholzwerkzeuge als Souvenirs für Touristen gedacht waren. Hartholz ist (normalerweise) haltbarer und bietet die Möglichkeit für mehr Details. Ein Sepik-Künstler wird sofort den Unterschied zwischen einem Ritualgegenstand und einem Souvenir für Touristen erkennen, denn der Geist des Krokodils braucht eine bestimmte Holzart, ein bestimmtes Volumen und eine bestimmte Form, um sich mit dem Hammer zu identifizieren. Für einen Sepik-Künstler ist diese innere Qualität genauso sichtbar wie die Qualität von a Van Gogh für westliche Kunstkenner.[15]

Bei der Bestimmung des Wertes oder der Bedeutung ist es daher wichtig, dass der westliche Kunstbegriff nicht ausreicht. Heutzutage wird viel Wert darauf gelegt, den kulturellen Kontext eines Kunstobjekts in Ausstellungen aufzuzeigen, indem man beispielsweise die ursprünglichen Schöpfer oder Kultur um Rat fragt. In dem Tropenmuseum Videobilder und Musik werden gezeigt, um den Besucher auf den Hintergrund eines Kunstobjekts aufmerksam zu machen.[16] Das Geschichtsmuseum in Büffel (New York) leiht manchmal vorübergehend rituelle Masken an die Nachkommen der ursprünglichen Besitzer. Diese Indianerstämme verwenden die Masken dann in ihren heiligen Zeremonien und zeigen und verwenden die Artefakte in einer lebendigen Tradition.[17]

Afrika

Bronze Statue von Benin

Afrika bietet eine große Auswahl an traditionellen afrikanischen Artefakten, einschließlich Masken. Obwohl es große Unterschiede zwischen den Kulturen gibt, gibt es auch einige Gemeinsamkeiten. Afrikanische Kunst besteht zum größten Teil aus hölzernen dreidimensionalen menschlichen Figuren. Oft mit einem hohen Maß an Abstraktion oder Stilisierung und manchmal mit tierischen Zügen. Außerdem sind Artefakte oft Teil eines größeren Rituals, bei dem Tanz, Kostüme und Gesang eine ebenso wichtige Rolle spielen. Afrikanische Künstler scheinen sich mehr für die mystischen Eigenschaften ihrer Darstellungen zu interessieren als für naturalistisch Darstellung. Denn die Geistige Welt war der wichtigste Ausgangspunkt für afrikanische Künstler.[18]

In ganz Afrika werden menschliche Figuren dargestellt, oft sind dies Ahnenfiguren, Naturgötter oder prominente Personen. Zum Beispiel die Bronzestatuen von Benin. Weitere bekannte Kunstobjekte sind schamanisch Masken, Stoffe, Kopfstützen, Kleidung, Schmuck und Gebrauchsgegenstände. Bekannte Masken sind die der Dogon, diese werden in Ritual Zeremonien verwendet, zum Beispiel Opfer oder ein Regentanz, wo sich der Träger in einer Tiefe befindet spirituell Trance, um mit der Geistigen Welt in Kontakt zu treten. Ohne diesen Kontext haben die Masken für die Dogon selbst keinen künstlerischen Wert und werden an einem geheimen Ort, fernab von Kunsträubern, aufbewahrt.

Bei der Yoruba Zwillinge sind ungewöhnlich häufig. Wenn einer oder beide Zwillinge sterben, a ibeji (Zwillingsfigur) geschnitzt. Die Mutter kümmert sich um diese Figuren, als wären es noch lebende Kinder. Auffällig sind auch die knallbunten Tanzkostüme und ade (Königskrone aus Textil) in Rot, Schwarz, Gelb und - bemerkenswert für afrikanische Kunst - Blau. Fruchtbarkeitsstatuen sind in ganz Afrika zu finden, eine der bekanntesten sind die verzierten namjiPuppen aus dem Norden Kamerun. Diese haben schmale zylindrische Gliedmaßen und kleine runde Köpfe. Äthiopien ist das einzige Land, das der europäischen Kolonisierung entgangen ist. Das Konso machen waga Grabfiguren, die in ihrer Furchtbarkeit an polynesische Masken erinnern. Wagas sind Gedenkstätten für verstorbene Prominente, die von ihrer Männlichkeit, ihrem Status und ihrer Macht zeugen. Die männlichen Waga werden mit einem erigierten Penis auf der Stirn abgerundet.[19] Wie in vielen afrikanischen Bildern spricht eine wilde Erotik die Vorstellung von Fruchtbarkeit und männlicher Männlichkeit an. Dies steht in starkem Kontrast zur westlichen Kunst des frühen 20. Jahrhunderts, die prüder und subtiler in der Darstellung von Sexsymbolen war.

Zu den von der afrikanischen Kunst beeinflussten Künstlern gehören Van Gogh, Picasso, Braque und Matisse. Aufgrund der Fixierung auf den Realismus fühlten sie sich nicht mehr mit zeitgenössischen Kunstausdrücken verbunden und suchten eine rohere, magische und religiöse Darstellung ihres Unterbewusstseins, die sie in diesen Kunstwerken fanden. Infolgedessen machte die Kunstwelt schnell den Schritt in Richtung a ausdrucksvoll Vorstellung, in der dem Unterbewusstsein in der Kunst eine ebenso wichtige oder sogar noch wichtigere Rolle zukommt. Nicht die Außenwelt, sondern die Innenwelt wurde als Ausgangspunkt genommen.[20]

  • Hölzern Dogon-Ahnenstatue, 17., 18. Jahrhundert

  • DogonZeremonie mit Masken

  • Ibejic-Figuren, Ende des 19. Jahrhunderts

  • Yoruba-Textilkrone, Ende des 19. Jahrhunderts

  • Weiblich waga-Bild des Konso, 19. Jahrhundert

  • Elfenbeinfigur von Kongo, 19. Jahrhundert

Nordamerika

EIN Totempfahl von ketchikan, Nordalaska. Totempfähle sind monumentale Holzskulpturen, die normalerweise in a . geschnitzt sind Riesenbaum des Lebens. Es gibt mehrere Gründe, einen Totempfahl zu bauen, als Eigentumsnachweis oder um eine mythologische Geschichte zu erzählen.

Die Ureinwohner Nordamerikas, normalerweise von uns amerikanische Ureinwohner erwähnt, hat eine große Menge an Artefakten hinterlassen: Totem Pfahl, Kanus, Kleidung, Schmuck und Töpfe.

Ein bemerkenswertes Ritual im KwakiutlIndianer sind die sogenannten Potlatches. Ein Häuptling lädt alle benachbarten Häuptlinge zu einer großen Party ein. Er fordert andere Häuptlinge heraus, indem er ein Artefakt aus seiner Sammlung vor dem anderen Häuptling zerschmettert. Er muss dann etwas von gleichem oder höherem Wert aus seiner eigenen Sammlung vernichten oder von allen Stämmen in der Region verspottet werden. Es ist eine Form des Beeindruckens und Prahlens, um den eigenen Reichtum hervorzuheben. Die Kwakiutl sind vor allem für ihre Holzbearbeitung bekannt, insbesondere für Totempfähle und Masken. Diese haben oft Tierformen als Ausgangspunkt, zum Beispiel Adler, Bären und Raben, verziert mit roten, schwarzen und gelben Farben. Die Tiermasken werden oft in Kwakiutl-Tänzen verwendet, um anzuzeigen, von welchem ​​Tier die Tänzerin besessen ist.

Eine weitere bekannte Kunstform ist die des Rein raus. Die Inuit, besser bekannt als Eskimos, sind ein Nomadenvolk, das hauptsächlich über dem Nördlicher Polarkreis Leben. Aufgrund ihrer Nomadenkultur sind die meisten Gegenstände recht klein und leicht zu tragen. Die meisten Kunstobjekte sind Skulpturen von Speckstein, Elfenbein, Walknochen und Holz. Traditionell handelt es sich bei den meisten Skulpturen um Tierfiguren, die dem Träger Schutz vor bösen Geistern boten oder die lediglich der Dekoration dienten. Ab dem 16. Jahrhundert dienten diese Artefakte als Handelsware gegen Tee, Alkohol und Waffen. Im Jahr 1949 begann die kanadische Regierung, die Inuit zu ermutigen, ihre Artefakte an westliche Händler zu verkaufen und sich an einem dauerhaften Ort niederzulassen. Die Inuit-Kunst wurde in den folgenden Jahren sehr populär, mit dem Ergebnis, dass die Inuit begannen, größere Bilder zu schaffen und mehr in einer westlichen Tradition der Darstellung der Realität zu arbeiten.

Andere bekannte Indianerstämme in Nordamerika sind die Sioux, Paiute, Wichita und Chumash. Am bekanntesten für geflochtene Körbe und Stoffe sowie Petroglyphen.

Südamerika

Assurini-Kopfschmuck, aus Para, Brasilien

In den Regenwäldern von Brasilien, Peru und Venezuela eine große Anzahl von Stämmen lebt noch auf traditionelle Weise. Die meisten traditionellen Artefakte werden von Stämmen in den Amazonasgebiet. Diese Stämme leben ein teilweise nomadisches Leben, in dem sie Nahrung durch Jagen und Sammeln und vorübergehende Landwirtschaft liefern. Kunst betrifft hauptsächlich gefiederte Kopfbedeckungen, Stoffe, Keramik, Schmuck und jewelry Körperbemalungen. Die Motive sind oft abstrakt, schwarz oder rot und verleihen dem Träger magische oder einfach beschreibende Eigenschaften, zum Beispiel über seine Herkunft. Eine verbreitete Angewohnheit ist die Verwendung von Psychedelika als ayahuasca und DMT, so sind Stämme wie die like Sanema in der Lage, mit der Geistigen Welt in Kontakt zu treten.[21] Diese Geistige Welt ist die Grundlage für ihre Körperschmuck. Die am häufigsten verwendeten Materialien sind Holz, Federn, Pflanzen und andere Materialien aus der unmittelbaren Umgebung. Da die meisten Stämme in sehr abgelegenen Gebieten leben, ist über ihre Kultur weniger bekannt als beispielsweise über traditionelle afrikanische Kulturen, 69 Stämme in Brasilien sind es bis heute isoliert von der Außenwelt.

  • Marktware aus Olinda, Nordost-Brasilien

  • Yaminawa in Tracht mit verzierten Speeren

  • Zeremonieller Tanz der Terena

  • Kayapo Kopfschmuck

  • 2 pataxo-Indianer in traditioneller Kleidung

Ozeanien

Sepik-Figur, verziert mit Muscheln und Seil

Mit Ozeanien sind die Inselgruppen in Melanesien, Polynesien und Mikronesien beabsichtigt. Die Stämme auf diesen Inseln haben normalerweise eine sehr eng verbundene Kultur. Die Häuptlinge werden oft nach der Anzahl der Rinder, Eberzähne oder Muschelgeld dass sie ihren Status besitzen und aus ihrer Großzügigkeit und Bedeutung für den Stamm ableiten. Diese Archipele sind vor allem für ihre Masken, Kanus, Skulpturen und traditionellen Tänze bekannt.[22]

Melanesien ist das größte und bevölkerungsreichste Gebiet im Pazifischen Ozean. Die verschiedenen Stämme auf den Inseln weisen große Ähnlichkeiten auf. Also dominiere animistisch Religionen und werden Opfer zu den Naturgeistern gebracht, um sie zufrieden zu stellen. Die Bewohner glauben an Mana, Naturgeister, die in allem präsent sind. Vorfahren, Tiere, das Meer usw. Traditionell tragen die meisten Bewohner wenig Kleidung, nur eine Lendenschurz oder Penishülle. Der Handel zwischen den verschiedenen Inseln war ein gefährliches Unterfangen, aber ein wichtiger Teil, um Status und Reichtum zu erlangen. Jedes Dorf hat ein Männerhaus, in dem die wichtigsten Dinge besprochen und heilige Gegenstände aufbewahrt werden.

Artefakte lassen sich normalerweise nicht aus ihrem rituellen Kontext trennen und werden im Männerhaus aufbewahrt, bis sie für eine Zeremonie gebraucht werden. Die meisten Objekte sind Holzfiguren von Haien, Schweinen oder Vögeln. Darüber hinaus werden eine große Anzahl von Holzstatuen von Ahnen hergestellt, die manchmal mit Menschenhaaren und Muscheln verziert sind. Diese Gegenstände sind unerlässlich, um Geister zu beschwören, die ihnen im Süßkartoffel-Anbau, Angeln oder früher es Kopfjagd. Kunstwerke waren als Gebrauchsgegenstände gedacht, nicht als künstlerischer Ausdruck.[23]

Ein häufiges Motiv unter den ozeanischen Stämmen ist die Halbmondform. Dies ist ein Hinweis auf das für Inselstämme unverzichtbare Kanu. Je öfter ein Gegenstand verwendet wurde, desto mehr Mana besaß er und trug somit stärkere magische Eigenschaften. Das Maori von Neuseeland verwenden hauptsächlich Spiralmotive, dies spiegelt sich in den Moka (Tätowierungen) wider, einer häufig verwendeten Körperdekoration, die als Übergangsritus dient.

Das Asmat von Papua Neu-Guinea verwende Motive aus dem Gottesanbeterin und der fliegender Fuchs. Die Designs ihrer Schilde beziehen sich auf Kopfjagd (die Gottesanbeterin beißt dem Männchen bei der Paarung den Kopf ab) und der Grad der Furchtlosigkeit ist wichtiger als seine Abwehrfähigkeiten. Nach dem Tod eines Verwandten errichtete die Asmat riesige Ahnenpole normalerweise in einem riesigen Penis gipfelt und weiß gestrichen ist, um die Farbe der Geisterwelt zu symbolisieren.[24]

Das Sepik, ein weiteres Volk aus Papua-Neuguinea, schmücken ihre Holzschilde und anthropomorph Figuren mit charakteristischen Tiermerkmalen. Die Nase ist wie ein scharfer Schnabel geformt und die Augen stehen schräg zu beiden Seiten des Gesichts, wie a Chamäleon. Das Ganze ist mit leuchtenden Rot-, Braun- und Schwarztönen versehen, die aus pflanzlichen Quellen gewonnen werden. Das Haus des Sepik-Mannes besteht aus zwei Etagen, die in kleinere Teile für die verschiedenen Clans unterteilt sind. Das ganze Haus ist mit Masken, Säulen und Holzschnitten geschmückt, die auf die Genitalien des urzeitliche Frau. Fruchtbarkeit ist ein wiederkehrendes Element in der gesamten ozeanischen Kunst, zusammen mit Kopfjagd und Ritualen Kannibalismus.

Die bekanntesten Beispiele für Kunst aus Ozeanien sind die sogenannten moai: riesige Steinstatuen auf Osterinsel.

Westlicher Einfluss

Es Kolonialismus hat verheerende Auswirkungen auf indigene Kulturen. Nicht nur durch den Raub natürlicher Ressourcen, sondern auch durch die Verbreitung von Krankheiten wie z die Masern und Pocken, gegen die die Eingeborenen keinen Widerstand hatten. Es wird geschätzt, dass 90% der amerikanischen Ureinwohner an Pocken gestorben sind.[25] Die Europäer brachten nicht nur Krankheiten mit, sondern auch die europäische Kultur und das Christentum. Dies zwang viele Stämme, ihre Traditionen aufzugeben und zum Christentum zu konvertieren. In ganz Papua-Neuguinea waren Schweine einer der wichtigsten Teile der Mitgift und die Verehrung von Schweinen für Nahrung und für ihre gekräuselten Zähne war ein wesentlicher Bestandteil der Volkskultur.[26] Nach der Bekehrung zum Christentum wurden solche Dinge verboten und die Notwendigkeit, Schweinemasken herzustellen, ging zurück.[27] Heutzutage gibt es eine große Nachfrage nach primitive Kunst wodurch Künstler ihre Ritualgegenstände mehr und mehr als Handelsware betrachten und daher nicht mehr an ihre eigenen Traditionen gebunden sind, sondern Symbole und Motive anderer Stämme übernehmen, die sich gut verkaufen.

Westliche Kunsthändler betrachten Artefakte aus der Zeit vor den 1930er Jahren, die häufig in Zeremonien verwendet werden, für einen höheren Wert als Artefakte, die ausschließlich für den westlichen Markt bestimmt sind. Aus diesem Grund versuchen Maskenschneider heute, ihre Masken alt und verwittert aussehen zu lassen, indem sie sie zu vorübergehend vergraben, Rauch und Feuer aussetzen und sie daneben platzieren Termiten so hinlegen, dass das Holz wie abgefressen aussieht.[15]

Einfluss auf die Moderne

Primitive Volkskunst hat sich auf den Weg gemacht Europa fand es. Seit die Europäer mit neuen Welten in Kontakt kamen, Missionare Artefakte kehrten als Beweis für den Sieg des christlichen Glaubens auf das Festland zurück. Objekte aus 'unerschlossenen' Gebieten wurden häufig in a . ausgestellt Kuriositätenkabinett.[28] Seit Ende des 19. Jahrhunderts begannen einige Künstler die Urkraft und Authentizität dieser Bilder zu schätzen. Bestimmtes Picasso und Braque wurden stark von einigen der afrikanischen Masken beeinflusst, die sie besaßen. Dieser Einfluss wird auch genannt Primitivismus erwähnt.

Verwandte Begriffe

Primitive Kunst kann als eine Form von Volkskunst. weil es im Allgemeinen eine rituelle und/oder religiöse Bedeutung enthält, die sehr eng mit den Bräuchen eines bestimmten Stammes verbunden ist.

Der Begriff primitive Kunst wird manchmal auch als Synonym für synoniem . verwendet naive Kunst, obwohl dies eigentlich zwei klar unterscheidbare Kunstformen sind.[29]