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Ballett ist ein Theaterform bei welchem tanzen die Hauptsache Mittel ist. Neben einem Choreographie hat ein Ballettstück a musikalische Komposition und ein Grafikdesign im Sätze und Kostüme. Biene Erzählung Ballett steht das Handlung beschrieben in a Libretto. Es handelt sich also um ein Zusammenspiel der Künste (Gesamtkunstwerk). Der Begriff Ballett bezieht sich auch auf a Stil und Technik des Tanzens. Es geht dann um die akademisch Tanz, den wir nennen klassisches Ballett. Darüber hinaus bezieht sich das Ballett (Kompanie) auf eine Kompanie, die Ballettstücke aufführt. Die führende Ballettkompanie von Die Niederlande ist Das Nationalballett. Im Belgien ist Ballett Flandern der Größte.
Das Ballett entstand während der Italienische Renaissance und entwickelt an der FranzösischGericht. In dem 18. Jahrhundert es wurde eine eigenständige, vollwertige Form von Musiktheater. Aus dieser Zeit stammen die Grundschritte des klassischen Tanzes. Ballett erreichte einen Höhepunkt während der Romantik. Russisch Unternehmen sorgten in der zweiten Jahreshälfte für eine Belebung 19. Jahrhundert. Diese Stilperiode wird auch klassisches Ballett genannt; nicht mit der Bezeichnung der Technik zu verwechseln. Die Ballerina in ihr tutu und spitze dominierten die Romantik und die Klassik. Diese Stile definieren es immer noch Bild an ein breites Publikum. In dem 20. Jahrhundert machte das Ballett Russes des Balletts a modern Kunstform. Experimente mit neuen Formen wurden schließlich eventually Jazzballett und moderner Tanz. Zeitgenössisches Ballett zeichnet sich durch eine Kombination von Stilen aus.
Ballett ist eine anspruchsvolle Tanzform. Es dauert Jahre Ausbildung die Technik zu beherrschen. Zu diesem Zweck wird Unterricht erteilt an a Ballettakademie. Verschiedene Akademien haben ihre eigenen Schule mit typischen Lernmethoden und Abschlüssen für bestimmte Pässe. Balletttänzer führen heute sowohl klassischen als auch zeitgenössischen Tanz auf.
Geschichte
Italienisches und französisches Hofballett
Die früheste Beschreibung des Balletts erscheint während der Renaissance. Das Adel des ItalienischStadtstaaten wurde mit geometrischen Gruppentänzen unterhalten Ensemblemusik. Catherine de' Medici brachte diese Tradition nach ihrer Heirat mit Heinrich II. Für die Verlobung von Margarete von Lothringen und dem Grafen von Joyeuse verließ sie es Ballett-Comic de la reine (1581) machen. Es Ballett-Comic kombinierter Tanz und Schauspielkunst zum Tanztheater und gilt daher als erstes Ballettstück.[1]
unten Heinrich III, de' Medicis Sohn, Ballett wurde zu einem festen Bestandteil der Unterhaltung am französischen Hof. Seine Funktion war ähnlich der des Oper in Italien und die Maske im England. Ballett wurde beim Empfang von Würdenträgern und bei Hochzeiten und anderen Feiern aufgeführt. Botschafter, Generäle, Adlige und sogar der König tanzten in den Balletten. Auch Thronfolger Heinrich IV und Ludwig XIII lernte in jungen Jahren zu tanzen. Die Themen für die Ballette wurden oft abgeleitet von politische Ereignisse.[2] Außerdem enthielt das Ballett Comic Elemente. Ludwig XIII. spezialisierte sich beispielsweise auf FarceZeichen und spielte mehrmals eine alte Frau.[3]
unten Ludwig XIV die Opulenz der Aufführungen schwoll an. Künstler wie Jean Baptiste Lully, Pierre Beauchamp und Molière ihre Talente dem Ballett verliehen. Das Macht des Monarchen war ein Lieblingsthema der Hofchoreografen. Auf Beauchamps Drängen erlaubte der König reisenden Künstlern und Akrobaten oben. Dadurch konnten sie sich in professionelle Tänzer verwandeln.
Geburt des akademischen Tanzes
Im 1661 gründete Ludwig XIV. de Königliche Tanzakademie auf. Beauchamp leitete dieses Institut als Ballettmeister. Die Akademie stellte Standardisierung der Tanztechnik. Von 1669 Aufführungen fanden bei Hofe nicht mehr statt. Die damals gegründete Ballet du Theater stattdessen in öffentlichen Sälen aufgeführt. Deshalb war im neuen Unternehmen zunächst kein Platz für Frauen. Es dauerte bis Le triomphe de l'amour (1681), zwanzig Jahre nach der Gründung der Akademie, bevor sie wieder Teil des Balletts waren.
unten pecourBeauchamps Nachfolger, die Akademie, führte den rasanten technischen Fortschritt an. Dies war die Grundlage für Klassischer Tanz gelegt.[4] Die fünf Grundpositionen und Pas d'Elevation (Höhenwerk), die für das klassische Ballett typisch sind, gerieten unter den Einfluss italienischer Tänzer. Auch der Import von Englisch Landtanz, Verkürzung der Rock und die Einführung der Strumpfhose unterstützte zeitgemäße Innovationen. Das Ballett war noch nicht von der Wortkunst. Sie kombinierten Tanz mit Präsentation oder als Teil einer Oper getanzt. Die erste komplette Trennung vom Ballett kam herein came 1708, bei einer Privataufführung für die Gräfin von Maine im Sceaux. Das Pantomime-Szenen in dieser Aufführung wurden von Tänzern anstelle von Schauspielern gebracht. Im 1717 gemacht John Weaver von Pantomime einen ganzen Teil seines Balletts Die Liebe von Mars und Venus.[5] Dies könnte der erste sein Ballett d'Action, ein erzählerisches Ballett, das sich nicht auf Wortkunst verlässt.
In dem 18. Jahrhundert auch der Tanz nahm seine erkennbare Form an. Der Italiener Marie Camargo brachte eine Reihe von Neuerungen mit sich. Sie hat ihren Rock über dem gekürzt Knöchel und gefüttert Chats eingeben aus, springt zweimal über die Beine. Bisher nutzten nur Männer diesen Pass.[6] Auch die Einführung der fersenlosBallettschuh wird Camargo zugeschrieben.[7] Sein größter Rivale, die Franzosen Marie SalléSie tanzte zuerst locker in Tunika im Pygmalion (1734). Im 1776 stellte die . vor DeutscheAnna Heinel das Pirouette. Pierre Gardel und Gaetan Vestris perfektionierte diese ikonische Wendung.
Eine reife Kunstform
Kritiker kritisierten die mechanische Natur des Balletts. Sie sprachen von "Bewegung ohne Bedeutung".[8] Choreograph Jean-Georges Noverre eine Antwort auf dieses Manko formuliert. In seinem Lettres sur la danse et sur les ballets (1758-1760) verfocht er eher erzählerisches Ballett als „Tanz um des Tanzes willen“. Noverres Vision bestimmte die künstlerische Ausrichtung der Kunstform. Es Ballett d'Action mit Bewegung als primärem Medium wurde zur Norm. Die bereits von John Weaver befürwortete Kombination mit Pantomime übernahm die Ausdrucksfunktion der grotesken (und hinderlichen) Kostüme und costume Masken Über.[9]
Das Französische Revolution brachte weitere Verschiebungen. Für die Revolutionäre war das Ballett ein Ausdruck von aristokratisch Dekadenz. Die Royal Dance Academy wurde geschlossen. Die angestrebte Demokratisierung des Tanzes belastete die künstlerische Qualität, schuf aber auch Chancen. Insbesondere der Widerstand gegen die Mode von dem altes Regime sich als fruchtbar erwiesen. Der Schuh mit Flat Sohle, einzig, alleinig wurde zum Standard bei der Bourgeoisie. Das neoklassizistisch Trend während der Verzeichnis (1795-1800) und die Reich (1800-1815) führte lockere, leichte Gewänder ein. All dies ermöglichte eine komplexere Choreographie.
Während der Revolution blieb die akademische Technologie außerhalb Frankreichs erhalten. Salvatore Vigano führte die Mailänder Tanzakademie La Scala von 1804. Dort hat er es entwickelt hij Körper des Balletts als Ensemble. Carlo Blasis ist ihm gelungen 1837 und stellte die Einstellung. Die italienischen Ballettmeister professionalisierten auch die Lehrmethoden. August Bournonville folgte eine ähnliche Flugbahn in Dänemark. Ihre Beiträge fanden ihren Weg zurück nach Frankreich. Marius Petipa, Christian Johannsen und Enrico Cecchetti brachte die französischen und italienischen Traditionen nach St. Petersburg, die ein neues Zentrum wurde.
Das romantische Ballett
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Taglioni (La Sylphide, 1832) | Grisi (Giselle, 1841) |
In dem 19. Jahrhundert kannte das Ballett a romantisch Stilperiode. Charakteristisch waren die lyrische und relativ freie Bewegung. Autoren basieren ihre Librettos auf Märchen und Märchen. Ballerinas wurden mit viel Höhenarbeit choreografiert (Elevation). Von ihnen wurde erwartet, dass sie lange Zeit auf den Spitzen tanzen (sur les pointes). Marie Taglionic war der erste, der das gemacht hat La Sylphide (1832).[10] In diesem Stück trug Taglioni auch den ersten tutu. Die neue Choreografie betont zusammen mit Kostümen von WeißTüll die ätherische Qualität der Ballerina.
Das romantische Ballett gestresst weiblichrollen. Außerhalb Russlands und Dänemarks war der männliche Tänzer nur ein Porter für die Ballerina. Außerdem tanzten Frauen oft männliche Charaktere und Cross-Dressing. Eine bemerkenswerte Ausnahme war die Choreographie in Giselle (1841), das am besten erhaltene Stück aus dieser Zeit. Choreograph Jules Perrot bewusst bemüht, die Tradition der männlichen Tänzer zu pflegen. Das Tutu stirbt Carlotta Grisic getragen Giselle wurde zum Vorbild für spätere Entwürfe. Durch ihren Einfluss auf das klassische Ballett bestimmt die Romantik auch heute noch das Bild bei einem breiten Publikum.
Eng verwandt mit der romantischen Stilepoche ist es Ballett blanc. Dies ist ein Name für Passagen, in denen die Ballerina und der Körper des Balletts trägt ein weißes Tutu. Stilistisch ist es Ballett weiß abgeleitet vom romantischen Ballett. Es kommt aber auch im klassischen Ballett ohne romantische Choreographie vor, wie im zweiten Akt von Der Schwanensee (1895).
Das klassische Ballett
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ging die Kunstform zunächst stark zurück. In Paris entwickelte sich Ballett zu einem verklärten Peep-Show oder BurleskeVarieté-Show. reicher Mann gesponsert die Ballerinas, oft gegen (sexuelle) Gefälligkeiten.[11] Nur Coppelia (1870) brachte eine bemerkenswerte, aber kurze Wiederbelebung der Qualität. Choreograph Arthur Saint-Leon aufgenommen Coppelia ein csárdás auf einen österreichisch-ungarischVolkstanz. Dies war die erste Aufnahme einer bestimmten Art von Nationaltanz in ein akademisches Ballett. Volkstänze wurden zu einem beliebten Feature in späteren Produktionen.
Gegen Ende des Jahrhunderts gab es eine Erholung. Marius Petipa und Lev Ivanov produziert mit dem Mariinski Ballett einige der bekanntesten Ballette: Dornröschen (1890), der Nussknacker (1892) und Der Schwanensee (1895). Danach geht es auch Bolschoi-Ballett diese Stücke. Die Werke sind der Höhepunkt der klassischen Stilepoche. Die Choreografen arbeiteten eng mit KomponistPjotr Iljitsch Tschaikowsky. Dies führte zu einer stärkeren Bereitschaft der Komponisten, Musik für das Ballett zu schreiben. Gute Ballettmusik blieb jedoch eine Ausnahme. Die meisten Partituren boten nur eine Begleitung für den Tanz.
Im klassischen Ballett nicht zu verwechseln mit der Bezeichnung des akademische Tanztechnik, war das tutu das akzeptierte Kostüm für die Ballerina. Dies war kürzer als in der Romantik und kam zum Knie. Außerdem wurde die Steigung des Rocks flacher und es gab mehr Variation darin Farbe. Typisch für eine klassische Choreographie sind die Diversifikationen: eine Reihe von Tänzen, bei denen die Handlung in den Hintergrund tritt. Diese Bewegung weg von dramatisch Einheit ist der Hauptunterschied zum vorherigen Ballett d'Action.
Besonders innovativ war Lev Ivanovs fließende, ausdrucksstarke Choreografie für den zweiten Akt von Der Schwanensee. Die Geschichte wurde nicht wörtlich gebracht, aber poetisch und symbolisch in Tanzbildern erzählt. Auch der Körper des Balletts kam (für eine Weile) in den Vordergrund. Der Tanz bot somit einen Vorgeschmack auf die vollwertige Rolle, die er spielte Korps bekam danach.
Die Ballets Russes
In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhundert machte das Ballett Russes Ballett ist eine moderne Kunstform. ImpresarioSergej Djagilev tourte mit dieser Firma durch Europa. Vor allem die Arbeit des Choreografen Michel Fokine legte den Grundstein für das moderne Ballett. Er rebellierte gegen die Konventionen und verwendete klassische Schritte, um neue Ideen auszudrücken. Darüber hinaus ergänzte er die wissenschaftliche Technik um Formen, die von orientalisch und moderner Tanz. Fokine legte auch Wert auf die Einheit von dramatischAktion. Dies führte zu kürzeren Balletten mit einem einzigen Akt. Ebenfalls Vaslav Nijinsky, Bronislava Nijinska, Leonide Massine und George Balanchine beuge den klassischen Tanz ihrem Willen.
Unter dem Einfluss der Ballets Russes wurde der Einsatz von Mime. Die Ausdruckskraft der Bewegung ersetzt konventionelle Gesten. Ballett wurde auch weniger stilisiert und schwebend. Also vorgestellt Polovetzer tanzen (1909) und Sheherazade (1910) offen Sexualität und Gewalttaten. Eine weitere Neuerung war der endgültige erneute Fokus auf männliche Tänzer. Mit Das Gespenst de la Rose (1911) Fokine schuf sogar a androgyn Rolle. Die Tänzerin in diesem Pas de deux hat ein Variation oder Tanz solo, bisher nur an Ballerinas vergeben. Darüber hinaus erfordert seine Choreographie ein traditionell weiblich Armgebrauch (port de bras). Von Les Sylphides (1909) wurde es Körper des Balletts ein eigenständiges künstlerisches Medium, getrennt von seiner Funktion als Kulisse für die Haupttänzer.
KünstlerAlexandre Benois und Leon Bakst mit ihren Beiträgen das Kostüm modernisiert und Bühnenbild. Sie verwendeten helle Farben, gegen die Rosa und der Pastelltöne des klassischen Balletts. Mit realistisch Sets spiegelten den historischen Kontext der Geschichten genau wider. Außerdem einige Stücke von Exotik. Ein klares Beispiel ist Le dieu bleu (1912). Später verwendeten die Ballets Russes Designs von Maler wie Natalya Goncharova und Pablo Picasso. Der Realismus wich dann Einflüssen aus der Kubismus, Primitivismus und der Jugendstil.
Auch die Musik aus dieser Zeit war innovativ. Igor Strawinsky schrieb eine Reihe von Kompositionen, die das Publikum auch abseits der Action schätzte. Der Feuervogel (1910) und Le Sacre du Printemps (1913) zählen zu seinen bekanntesten Werken. Léonide Massine verlagerte die Aufmerksamkeit von der Handlung auf die Musik mit seinem symphonisches BallettChoreartium (1933). Er suchte die Grenzen des Theaters und des modernen Tanzes aus.
Ein Orientale Tamara Karsavina im Der goldene Hahn (1914)
Ein androgynes Nijinsky im Das Gespenst de la Rose (1911)
Adolph Bolms männlicher Tanz in Polovetzer tanzen (1909)
Vaslav Nijinsky als exotischer Tänzer für Le dieu bleu (1911)
Ausdrucksstarkes Solo von Anna Pavlova, Der sterbende Schwan (1905)
Neoklassisches, modernes und Jazzballett
Im 1929, nach dem Tod von Sergei Dhiaghilev, zerfielen die Ballets Russes. Leonide Massine, René Blum und Wassily de Basil formte es Ballet Russe de Monte Carlo aus den Resten. Geplagt von internen Unruhen und finanzieller Unsicherheit gelang es ihnen nicht, ihre führende Position zurückzuerobern. Das Repertoire blieb konservativ. Das Ballet Russe hat Star-Tänzer geliefert, wie zum Beispiel Tamara Toumanova. In dem Sovietunion war es bolshoi- und Kirov Ballett ball das gleiche Schicksal erleiden. Sie machten technisch erhabene, aber künstlerisch fundierte Produktionen.[12] In England, ehemaliger Tänzer der Ballets Russes Ninette de Valois es Vic Wells Ballett auf. Auch hier gab die Tradition den Ton an.
Nach und nach entstanden neue Stile. George Balanchine's Apollo (1928) brachte statt einer klaren Geschichte bereits eine getanzte Interpretation von Musik. Die Vic-Wells und die Balanchine in 1948 Gegründet New Yorker Ballett weiter experimentiert mit abstrakt Choreographien. Daraus entstand das neoklassische Ballett. Ohne klare Handlung, Kostüme oder Kulissen bot dieser Stil dem Tanz selbst mehr Freiheit und Aufmerksamkeit. Ein typisches Beispiel war Frederick AshtonsSymphonische Variationen (1946). Es wurde in weißer Tunika gegen minimales Set getanzt.
Aus der neoklassischen Bewegung entwickelte sich in der 60er Jahre und 70 das moderne Ballett. Glen Tetley, Robert Joffrey und Gerald Arpino wichtige Beiträge geleistet. Ihre Stücke waren athletischer. Auch die Atmosphäre und der Inhalt waren intensiver. Joffreys astarte (1967) war zum Beispiel voll Erotik und wurde an Rockmusik getanzt.
Neben klassischem Ballett gibt es auch Jazzballett. Jazzballett oder Jazztanz ist keine moderne Form des Balletts. Es ist ein zeitgenössischer Tanzstil, der sich neben dem Ballett entwickelt hat. Jazzballett ähnelt in seiner Struktur dem akademischen Tanz, aber die Bewegungen sind freier. Jazz Dance entstand, als Choreografen aus Ballett und moderner Tanz experimentiert mit Techniken von Afroamerikaner Stile und Stepptanz. George Balanchine war das wichtigste Bindeglied zwischen klassischem Ballett und Jazztanz. Jazz Dance basiert eher auf Popularität als auf klassische Musik. Nächster Jazz sie tanzen auch zu Rock und Hip Hop.
Zeitgenössisches Ballett
In dem 70er Jahre und 80 begann, verschiedene Stile zu kombinieren. So entstand das zeitgenössische Ballett. Dies brachte die Kunstform in ein postmodern Phase. Zeitgenössisches Ballett ist nicht immer leicht von der neoklassischen oder modernen Form zu unterscheiden. Der Unterschied zwischen moderner Tanz. Um zeitgenössisches Ballett zu tanzen, ist weiterhin eine klassische Ballettausbildung notwendig. Zeitgenössisches Ballett verwendet akademische Techniken nach eigenem Ermessen. Ein Beispiel ist Deuce Coupé (1973) von Twyla Tharp. Darin arbeitete sich eine Ballerina durch klassische Schritte, während a Korps in Alltagskleidung zu Musik getanzt von The Beach Boys. Mittendrin etwas erhöht (1987) von Choreograf William Forsythe die klassischen Sätze wieder übertrieben elektronische Musik.
Auch Choreografen spielten zunehmend mit Geschlechterrollen. So getanzt Jorge Donna 1979 die 1979 Bolero, ursprünglich 1960 für eine Ballerina entworfen. Die Innovationen finden in der die 90er und 2000 durch. Unter dem Einfluss des wachsenden Wettbewerbs in den Unterhaltungswelt nahm die Verschränkung zwischen Ballett und Popkultur des Weiteren. Heutzutage führen Kompanien sowohl neoklassische als auch zeitgenössische Choreografien auf.
Ballettkostüme
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Balletttänzer tragen Kleidung mit Doppelfunktion. Ihr Kostüm ist einerseits Teil des Entwurfs für ein Ballettstück. Auf der anderen Seite muss Tanzkleidung auf Bewegung ausgerichtet sein. Heute trägt die klassische Ballerina ein tutu, Strumpfhose und Ballettschuhe. Das Outfit für einen männlichen Tänzer ersetzt das Tutu durch ein Trikot. Bei zeitgenössischen Produktionen und beim Üben trägt die Ballerina auch einen Turnanzug, ob in Kombination mit einem separaten Rock.
Renaissance bis Revolution
Anfangs wurde in angepasster Hofkleidung getanzt. Denn das Ballett ist auf dem Französischer Hof entwickelt, waren hauptsächlich die Franzosen Mode bestimmend. dekorativ Kleider sind längst Standard. Schwere Stoffe und korsettartig Mieder schränken die Bewegungsfreiheit ein. unten Ludwig XV sie stellten ein Taille und volle Röcke unterstützt von paniers. Dies gab Ballerinas eine glockenförmige Silhouette, machte das Tanzen jedoch noch schwieriger.
In dem 18. Jahrhundert der Widerstand gegen die hinderlichen Kostüme wuchs. Marie Camargo tanzte in einem nüchternen, eng anliegenden Körper. Ihr Rock reichte bis ein paar Zentimeter über den Knöchel und sie trug eine enge, kleine Unterwäsche. Marie Sallé noch radikaler auf Komfort ausgerichtet. Sie erschien in Pygmalion (1734) in einem einzigen lockeren Kleid aus Musselin. Choreograph Jean-George Noverre betonte die Bedeutung dieser leichten und schlichten Stoffe, da sie die Figur der Tänzerin offenbaren. In den 1770er Jahren verzichteten auch Solisten auf Maske Tanzen, das in den vergangenen Jahrzehnten noch ein fester Bestandteil der Balletttracht war.
Nach dem Französische Revolution Mode hat sich stark verändert. Das neoklassizistisch Trends während der Verzeichnis (1795-1800) und die Reich (1800-1815) machten lose Gewänder zur Norm. Bis zum Aufkommen des Tutu tanzten die Menschen in solcher Kleidung, inspiriert von den revolutionären Idealen und der Antike.
Das romantische und klassische Tutu
sehen Tutu (Ballett) für den Hauptartikel zu diesem Thema.In den 1930er Jahren des 19. Jahrhundert das Tutu war geboren. Das viktorianisch Kleidung der Vergangenheit brachte Mode aus dem vorigen Jahrhundert zurück, die den vollen Rock und klar machte Miederwaren von der Taille bis zum Tutu erklärt. Das Mieder des Tutu wurde nach dem baskisch, ein eng anliegendes Oberteil, das bis zur Taille reicht. Das Ballett verwendete weiterhin leichte Stoffe, wie zum Beispiel Musselin und Tüll.
Das erste Tutu stammt aus dem Jahr 1832. Marie Taglionic trug es in La Sylphide. Während der Romantik Tutus waren oft weiß. Der Rock war glockenförmig. Mit der Zeit wurde der Rock kürzer und flacher. Der Abstand mit der damaligen Mode nahm immer weiter zu. Bis zum Ende des Jahrhunderts kam der Rock nur noch an die Knie. Nach dem Modernist Innovationen in der 20. Jahrhundert das Tutu wurde weniger prominent.
Modernisierung des 20. Jahrhunderts
In den Jahren 1910 und 1920 ein Hang zur Authentizität veränderte das Ballett. Die Popularität des konventionellen und stilisierten Tutu ging zurück. Neue Kostüme betonten die Figur der Tänzerin noch stärker. Am Oberkörper entschied man sich zunehmend für a Trikot. Der ikonische Rock des Tutu wurde gegen einen lockeren Rock oder Shorts getauscht. Tanzen auch ohne Strumpfhose oder Schuhe wurden möglich.
Historische Kostüme spiegelten nun die Kulisse eines Stückes wider. Designer schufen glaubwürdige griechische Gewänder, orientalische Outfits und historische Kleidung. Die Arbeit von Leon Bakst und Alexandre Benois Bei der Ballett Russes war bezeichnend für diesen Trend. Ebenfalls Modernist Kunstbewegungen fanden eine Verbindung. Unter anderem Pablo Picasso und Salvador Dalic entwarf experimentelle Kostüme mit ungewöhnlichen Formen. Das KonstruktivistenNaum Gabo und Antoine Pevsner eingeführt moderne Materialien wie Glimmer.
Da diese Innovationen, a eklektisch Ansatz. Tutus, authentische Kleidung und zeitgenössische Tanzkostüme werden je nach Bedarf einer Produktion austauschbar verwendet. Inspiration kann von unerwarteten Seiten kommen. So geliefert Coco Chanel Designs basierend auf Bademode vor dem Le Zug blau.
Ausbildung in den Niederlanden und Flandern
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Ballett ist eine anspruchsvolle Tanzform. Es dauert Jahre Ausbildung die Technik zu beherrschen. Um professioneller Tänzer zu werden, müssen Sie eine akkreditierte Ausbildung bei a Ballettakademie. Die Akademien sind Teil der höhere Bildung. Genau wie dabei Wintergarten erfolgreiche Studenten erhalten ein Diplom von Bachelor of Arts. In den Niederlanden gibt es zwei Ballettkurse: den Königliches Konservatorium in Den Haag und den Nationale Ballettakademie in Amsterdam. Letzteres ist verbunden mit Das Nationalballett. In Belgien gibt es die Königliche Ballettschule in Antwerpen, verbunden mit Ballett Flandern.
Eine gute Ausbildung beginnt in jungen Jahren. Daher werden Vorbereitungsprogramme in der Sekundarschulbildung (Niederlande) und weiter Weiterführende Schulen (Flandern). Die Schüler beginnen in der Regel im Alter von zwölf Jahren. In den Niederlanden können Sie stundenlangen Ballettunterricht auf dem havo- und voruniversitäre Bildung-Studienstufen. In Flandern ist Ballett a Forschungsbereich in dem Kunstunterricht der Sekundarstufe. Um Tänzer noch früher auszubilden, gibt es auch Vorbereitungskurse im Grundschulbildung. Diese beginnen ab dem neunten Lebensjahr.
Der Zugang zu einer Ausbildung ist schwierig. Die Akademien veranstalten a Aufnahmeprüfung. Kandidaten müssen ein bestehen Vorsprechen. Sekundar- und Sekundarschulen können auch Probespiele abhalten. Akademien ergänzen die Prüfung durch eine körperliche Untersuchung. Dies testet die Kraft von Muskeln und Knochen und die Beweglichkeit und Bedingung von Studenten. Jedes Jahr wird die körperliche, technische und künstlerische Entwicklung beobachtet. Das ist besonders stressig in der Pubertät, wenn der Körper und Mobilität der Tänzer können plötzliche Veränderungen erfahren. Darüber hinaus gibt es einen großen Konkurrenzkampf zwischen den Kandidaten.
Andere Kurse unterrichten Klassischer Tanz als Teil eines größeren Sortiments. HBOSchulen in Rotterdam, Amsterdam, Arnheim und Tilburg bieten unter anderem Ballett zusammen mit modernem Tanz an. In Flandern gibt es einen Profi Bachelor-AusbildungTanzen in Lier. Das Forschungs- und Ausbildungsstudios für darstellende Kunst von Anne Teresa De Keersmaeker bietet eine Perfektion im zeitgenössischen Tanz, aber das ist eine teure Privatausbildung.
Ballett und Theater
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LINKS: Enrico Cecchetti als die Fee Carabosse in Dornröschen (1921), RECHT: Alexander Orlov in Blackface als der Mohr aus Petruschka (1911) | ||
Ballett ist eine Form von Theater. Wir sehen uns im 18. Jahrhundert war Tanz kombiniert mit Oper und Wortkunst. Dieses verwandtschaftliche Ballett. Zum Beispiel basierten die ersten Ballette auf Traditionen aus der mittelalterlich Theater. Es Dekor simultan, in dem die verschiedenen Versatzstücke gleichzeitig auf der Bühne stehen, stammt aus dem Mystery-Spiel. Mögen Wunder Spiele und Moral viele Stücke vereinen ernste und komödiantische Elemente. Viele Zeichen vom Ballett geht's wieder weiter Zeichen von dem commedia dell'arte, italienisch Improvisationstheater von dem 16. und 17. Jahrhundert. Beispiele sind die ernsthaften Liebhaber in Giselle und die Comic-Liebhaber in Coppelia.[13]
Mime, ein wichtiger Teil von Ballett d'Action, entwickelt als Erzähltechnik in der Englisch Theater. Es brachte Kontinuität in das Stück Gorboduc (1561) und verknüpfte Szenen im Theaterist von William Shakespeare. John Weaver und Jean-Georges Noverre führte diese englische Innovation in das Ballett ein. Die Pantomime wird verwendet, um Emotionen auszudrücken, Handlungen darzustellen und Charaktere zu charakterisieren. An die Stelle von Worten treten konventionelle Gesten. Das Publikum muss die Künstlichkeit der Gesten durchschauen (Aussetzung der Ungläubigkeit) damit das Ballett funktioniert. Nur weil die Leute in der 20. Jahrhundert fand die Form zu stilisiert, der Gebrauch von Pantomime ging zurück.
Andere konkrete Techniken, die sich im Ballett durchgesetzt haben, sind Crossdressing und schwarzes Gesicht. Die Rolle der alten, hässlichen oder bösen Frau wurde regelmäßig von einem Mann gespielt. Die böse Fee Carabosse aus Dornröschen ist ein Beispiel dafür. Blackface wurde aus dem genommen Varieté-Theater. Normalerweise wurde dies verwendet, um Zahlen zu verschieben Afrika und der Naher Osten denn wie der Moor in Petruschka und der Goldene Sklave in Sheherazade. Im Ballett finden wir aber auch die Interpretation von Afroamerikaner von Blackface-Schauspielern. Die Besetzung von Hohes Gelb (1932) und die Familie aus dem Süd im Terminal (1937) sind illustrativ. Trotz der Rassist Charakter erhält die Praxis in der Ballettwelt wenig Kritik. Versionen von Othello und La Bayadere benutze immer noch das Make-up.
Ballett und Film
Große Unternehmen registrieren einige ihrer Produktionen auf Film. Die DVD-Verkaufs- und Senderechte erhöhen den kommerziellen Wert dieser Produktionen. Die erste Ausbeutung dieser Art war eine Zusammenarbeit zwischen den Ballet Russe de Monte Carlo und Warner Brothers. Sie haben aufgenommen 1942Capriccio Espagnol und Gaiete Parisienne auf. Heutzutage liegt der Fokus vor allem auf populären Stücken, wie zum Beispiel Giselle und Der Schwanensee.
Film hilft auch bei der Erhaltung von Balletten. Tanztheater ist eine vergängliche Kunstform. Darüber hinaus gibt es keine etablierte Notation für die Weitergabe einer Choreographie. Die Aufnahme auf Film gleicht diese Mängel aus. Es ermöglicht, den Tanz zu speichern, zu verfolgen und zu rekonstruieren. Ein Beispiel ist die Aufnahme von 1925 von Anna Pavlova im Der sterbende Schwan. Choreograph Michel Fokine wollte die offizielle Choreographie dokumentieren.
Das Ballett bietet auch Themen für verschiedene Kinogenres. In dem MusicalDie Goldwyn Follies (1938) choreografiert George Balanchine vor dem Vera Zorina. Andere Beispiele sind die HorrorfilmeDas verrückte Genie (1931) und Suspiria (1977) und die Film NoirGespenst der Rose (1946). Die meisten Spielfilme über Ballett sind jedoch Dramen mit Balletttänzern als Protagonisten. Der Ansatz unterscheidet sich von populären Filmen wie films Die roten Schuhe (1948) zum Autorenkino ofcine Ingmar BergmannSommer-Zwischenspiel (1951). Aktuelle Beiträge sind Ballettschuhe (2007) und Schwarzer Schwan (2010). Alle diese Filme dramatisieren oder romantisieren ihr Thema.
Biografische Filme und Filme, die das Ballett beschreiben wollen, bieten eine getreuere Darstellung. Direktor Herbert Ross machte mehrere solcher Arbeiten: Der Wendepunkt (1977) über die Ballerinas Isabel Mirrow Brown und Nora Kaye, Nijinsky (1980) über russische Balletttänzerin Vaslav Nijinsky, und Tänzer (1987). An Filmen wie diesem nehmen regelmäßig Leute aus der Ballettwelt teil. So getanzt Michail Baryshnikov eine Choreografie von Twyla Tharp im weiße Nächte (1985). Das Joffrey Ballet Company gespielt in Die Firma (2003), ein Film über sich selbst.
In dem 21. Jahrhundert Filme ergänzten populäre Bilder. Billy Elliot (2000) zeigt einen britischen Arbeiterjungen, der Balletttänzer werden will. Maos letzter Tänzer (2009) handelt von der Politik internationaler Unternehmen. Bemerkenswert ist auch die pastiche von Charakteren, Handlungselementen und Musik aus verschiedenen Balletten der Anime-SeriePrinzessin Tutu (2002).
Siehe auch
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